Profiltekster. Agnes Fries. Akiko Kuwahata. f.1979, designer

Transkript

1 Profiltekster Agnes Fries f.1979, designer Agnes Fries er uddannet fra Danmarks Designskole, Linjen for Glas- og Keramik i Fries arbejder hovedsageligt i porcelæn, som hun formgiver med en grafisk bevidsthed. Hendes udgangspunkt er en visuel eller konceptuel idé, som hun efterfølgende udformer udfra keramikkens tekniske forudsætninger. Gradvist realiseres idéerne gennem skitser og silhuetter, som hun klipper i papir i både to og tre dimensioner. Med et nærmest symfonisk grundprincip komponerer Agnes Fries således hvert produkt for sig og som en samlet visuel helhed. Resultatet er produkter, der taler et tydeligt og inspirerende visuelt sprog ofte med inspiration i en traditionel kinesisk æstetik og håndværkstradition. Agnes Fries har deltaget i Biennalen for Kunsthåndværk & Design 2009, Copenhagen Clayspace i 2010 og Designer s Week Taipei, Taiwan i Hun har modtaget legat fra Längmanska Kulturfonden i 2010, fra Helge Ax:son Johnson Stiftelse i 2011 og fra Statens Kunstfond samme år. Derudover har Fries i 2008 med serien Bottino udført produktdesign for designvirksomheden Kähler. Strokes Strokes er en serie bestående af syv hånddrejede vaser i forskellige størrelser. Efter brænding dekoreres de glaserede vaser med håndmalede penselstrøg i sort overglasur. Strokes visuelle udtryk er karakteriseret netop ved de rå sorte, tusch-lignende aftegningers kontrast til det fine hvide porcelæn, som dermed fremstår som en kærlig kommentar til porcelænets muligheder. Strokes udtrykker Agnes Fries ønske om at lade håndens arbejde og de anvendte materialer og det grafiske udtryk fortælle hver sin historie. En del af den historie er, at vaserne produceres af dygtige kinesiske håndværkere i Jingdezhen i Kina som også er stedet hvor porcelænet stammer fra og hvor Agnes Fries ofte arbejder og finder inspiration. Akiko Kuwahata f. 1976, snedker og designer Akiko Kuwahata er uddannet i Living Space Design på College of Art Nihon University i Japan i 1999, og har været gæstestuderende på Arkitektskolen i Aarhus fra 2004 til Hun har blandt andet udstillet på Designmuseum Danmark i udstillingen MY PRECIOUS i 2010, Women Work in Wood hos Walford Mill Crafts i England i 2011 og deltog i Danish Crafts Collection CC15 i Kuwahata modtog i 2011 et legat fra Nationalbankens Jubilæumsfond samt fra Grosserer L.F.Foghts Fond samme år i forbindelse med hendes deltagelse i udstillingen Women Work in Wood. Akiko Kuwahata designer og laver brugsting i træ i høj kvalitet for at give flere lyst til at bruge velforarbejdede træprodukter i hverdagen. Kuwahata arbejder hovedsageligt i træ, og når hun skaber noget nyt og skal finde

2 den rigtige form er det vigtigt for hende at gå på opdagelse i træets muligheder. Derfor er det nødvendigt at arbejde direkte med materialet med hænderne. Hvert produkt skal være uimodståeligt og dejligt at røre ved. Hun lader sig inspirere af gamle japanske kunsthåndværktraditioner og skandinavisk design. STiTCH STiTCH består af to dele; et rundt bord med syninger i farvet vokssnor på en kegleformet fod og en matchende skammel med en farvet vævet pude. Både bordet og stolen er lavet i 4 mm. lyst ahornfiner, så der er tale om lette, men samtidig stærke og velforarbejdede møbler. STiTCH s organiske lethed og styrke har en særlig forhistorie. Akiko Kuwahata har nemlig fundet inspiration til STiTCH i en gammel broderi-ring fra Japan, som er lavet i tyndt nåletræ og syet sammen med kirsebærbark. I lighed med denne broderi-ring har Kuwahata med STiTCH forsøgt at skabe et møbelsæt, som er karakteriseret ved sin funktionelle formfuldendthed. Fremstillingsprocessen består i, at den lyse finer dampbøjes, hvorefter den syes sammen med en tyk, farvet vokssnor. STiTCH er træmøbler, som på én og samme tid indbyder til at blive brugt i hverdagen og til at blive beundret for træets facetter. 30 Ideen til perspektivrammen 30 har Akiko Kuwahata fået fra et kunstværk. Rammerne, der er udført i 3 mm Oregon Pine, er suppleret med en gul, grå eller himmelblå bund malet med magnetisk maling. Formålet med magneten er at holde det indrammede fast. Det kunne være kunst, et postkort eller en besked. Rammerne kan sættes sammen på forskellige måder og er udført med en snedkerteknik, der vidner om den præcision og kunstfærdige nøjagtighed, som karakteriserer Kuwahatas produkter. Anne Tophøj f. 1960, keramisk formgiver. Anne Tophøj er uddannet keramiker fra Skolen for Brugskunst i København og har en Master of Industrial Design fra Pratt Institute i New York. Anne Tophøjs arbejde kredser om brug og funktion, materiale og teknik samt form og formsproglige aspekter. Hun arbejder undersøgende og eksperimenterende. Ved hele tiden at ændre metode og udgangspunkt afsøger hun mulighederne for, hvordan tingene kan være og se ud. Anne Tophøj fokuserer på stadiet, inden noget er afgjort; der, hvor mulighederne er identificeret og blotlagt, og det hele ligger åbent. De senere år har Anne Tophøj været optaget af at give plads til tilfældigheder og det ufærdige i sin formgivning. Det er en formgivning og et formsprog, der kobles med hendes interesse for produktions- og metodeæstetik samt generativ formgivning en formgivning, der baserer sig på det potentiale, som et materiale, et redskab eller en teknik kan bidrage med. Anne Tophøjs keramik har gennem de seneste år været en del af adskillige udstillinger, fx På Tværs på Carlsberg, København i 2010 og Statistics><Ceramics, der blev vist både i Hamborg og Göteborg i 2008, og MINDCRAFT11 i 2011 og MINDCRAFT12 i Herudover har både Nationalmuseum i Stockholm, Designmuseum Danmark i København og Trapholt i Kolding erhvervet sig dele af Anne Tophøjs produktion til deres samlinger. Desuden har Tophøj fremstillet dækketallerkner til Restaurant Paustian v/bo Bech. Anne Tophøj modtog Statens Kunstfonds treårige arbejdsstipendium og arbejdslegater i 2010, 2011 og Anne Tophøj har tidligere deltaget i Danish Crafts Collection CC15. Fiktil 12.1 Fiktil 12.1 er et stel eller en samling af redskaber til morgenmåltidet. Stellets forskellige farver, kvaliteter og bearbejdning har indlejret en målsætning om at tilføje morgenmåltidet en ny sanselig dimension. Så selvom Fiktil ganske simpelt betyder dannet af ler, er Fiktil 12.1 et utryk for Tophøjs fascination og inspiration af mange forskellige materialer og teknikker. I dette tilfælde anvender hun produktionsteknikkerne presning, inddrejning og støbning. Målsætningen er efter Tophøjs udsagn at kridte en bane op med enkelte centrale spillere; at skabe et åbent rum med vide rammer, som man selv kan fylde ud og bygge videre på.

3 Finnsdottir Thora Finnsdottir Søe f. 1974, keramiker og Anne Hoff f. 1975, grafisk designer Thora Finnsdottir Søe og Anne Hoff udgør tilsammen Finnsdottir, som de startede i Grundlaget for Finnsdottir er en fælles visuel forståelse og et godt sammenspil mellem deres forskellige kompetencer og baggrund. Thora Finnsdottir Søe er uddannet fra Danmarks Designskole i 2009 på linjen for keramik og glas. Hun har blandt andet udstillet på Charlottenborgs forårsudstilling i 2007 og Cowparade Copenhagen i Anne Hoff blev i 2010 færdiguddannet som grafisk designer fra Danmarks Medie- og Journalisthøjskole. De to kvinder fremstiller hovedsageligt deres produkter i porcelæn og er grundlæggende inspireret og fascineret af former. Deres design tager afsæt i allerede eksisterende objekter og ting. Disse ting sættes sammen på en ny måde, så der opstår et anderledes udtryk, mens det genkendelige element stadig findes i designet. Lights Lights er en kollektion af lampeskærme støbt i porcelæn med tilhørende stofledning. Essentielt for Finnsdottir er et designs genkendelighed. Derfor er hver enkelt lampeskærm i kollektionen Lights sammensat af forskellige afstøbninger af ting, som kan genkendes fra dagligdagen og den virkelighed vi omgiver os med. Visionen bag lampeskærmene er at skabe et velkendt udtryk, som samtidig virker nyt og inspirerende. Finnsdottir og Hoffs arbejdsproces starter med støbning af lampeskærmene i porcelæn. Derefter pudses skærmene op, får et hul i toppen og forglødes ved 960 grader. Endelig glaseres de og brændes igen, denne gang ved 1280 grader. Lights består af fem unikke lampeskærme i henholdsvis blank gul, blank hvid og mat sort. Foxy Potato Anders Folke Andersen f møbelsnedker og Rikke Beck Christensen f dekoratør Anders Folke Andersen er uddannet møbelsnedker og startede i 2005 Foxy Potato. Han vandt bronzemedalje med sit afgangsprojekt i år 2000, og blev i 2009 nomineret til prisen for Bedste Design i Bolig Magasinet. Samtidig med Foxy Potato brugte Anders sin fritid på at lave møbler på bestilling, og derigennem opstod trangen til at skabe møbler af eget design. I 2009 blev Rikke Beck Christensen en del af Foxy Potato. I dag ejer og driver parret firmaet sammen. Foxy Potato har senest deltaget i Formland i 2011 og Salone del Mobile i Andersen og Christensen arbejder oftest i træ, og visionen bag møblerne er at skabe moderne klassikere, som ikke bare holder i dag, men også om 50 eller 100 år. Den grundlæggende inspiration stammer fra Anders Folke Andersens store passion for klassisk dansk møbelkunst, og arbejdsprocessen med at forme og skabe et møbel i hånden efter traditioner fra traditionelle snedkerfirmaer er vigtig for ham. Et gennemgående element for Foxy Potato er enkelhed og kvalitet, ligesom de lægger stor vægt på at producere alle deres møbler i Danmark. VEGA Magasinholder VEGA har i mange år hængt i Rikke Beck Christensen og Anders Folke Andersens hjem, og først i 2011 blev magasinholderen sat i produktion. Ideen opstod på grund af deres egen frustration over manglende opbevaringsplads til magasiner og deres bærbare computere. VEGA er udformet med fokus på traditionelle metoder i snedkerfaget og er fremstillet af massivt ubehandlet egetræ. VEGA Magasinholder er minimalistisk og rummelig. De rene linjer, den rå lethed og parallellerne til den klassiske tallerkenrække gør VEGA til et moderne, funktionelt og dekorativt opbevaringsmøbel.

4 Friis & Black Lisbet Friis f. 1957, tekstilkunstner og Uffe Black f. 1951, arkitekt Friis & Black viste deres første udstilling sammen i efteråret 2011 i møbelhuset Paustian, København. Duoen Lisbet Friis og Uffe Black er hhv. tekstilkunstner og arkitekt og har siden firserne, efter deres formelle uddannelse på Danmarks Designskole og Kunstakademiets arkitektskole, været aktive på kunsthåndværk - og designområdet i Danmark. Lisbet Friis deltog blandt andet i Danish Crafts CC+ for MoMA i New York i 2006 og i 2005 havde hun separatudstillingen Linnedskab fornemmelse for orden på Designmuseum Danmark i København. Friis modtog i 2005 Ole Haslunds Kunstnerlegat og har flere gange modtaget Statens Kunstfond arbejdslegater. Friis design er desuden repræsenteret på Designmuseum Danmark. Uffe Black har blandt andet udstillet i Den Frie Udstillingsbygning med Dagligdagens rum og ritualer og er modtager af legat fra Ny Carlsbergfondet i 1988 samt Georg Jensen Prisen i 1998 sammen med designgruppen OCTO. Derudover har han flere gange modtaget støtte fra både Statens Kunstfond og Danmarks Nationalbanks Jubilæumsfond. Friis & Black har en ambition om at styrke deres individuelle kompetencer gennem et fælles udtryk, hvor Lisbets sikre fornemmelse for grafiske mønstre og farver og Uffes skarpe analyse af form og konstruktion ofte kommer til udtryk gennem fortolkninger af skæve og fantastiske brugsting, som de støder på i deres dagligdag. At søge udtryk gennem et poetisk og levende sprog er simpelthen det, der driver værket, udtrykker duoen. Bord med tapet Det fleksible og dynamiske Bord med tapet er fremstillet af ask og krydsfiner med en trykt mønstret bordplade. Bordet indgår i serien Mønstermøbler, som er en familie af møbler, som alle har det grafiske mønster som kendetegn. Her præsenteres vi for Bord med tapet, som leger med tanken om det traditionelle tapetbord, men hvor tapetet bliver liggende på bordet og får en gang lak. Lisbet Friis har gennem en årrække udviklet en metode til at trykke grafiske mønstre direkte på træ og Friis & Black forfølger dette og vender tingene på hovedet til et unikt og særligt udtryk. Bord med tapet kan bruges i mange forskellige situationer, eksempelvis til at læse, spise eller spille ved. Det er nemt at folde ud og let at pakke væk igen. Friis & Black forklarer selv, at bordet udstråler her er jeg og brug mig!. Bordet er en genfortolkning af tapetbordet og kvaliteterne derfra genkendes ved at det er let, sammenklappeligt og transportabelt. Mønstre og farver kendetegner Bord med tapet, hvilket skaber et både personligt og humoristisk udtryk. Jane Holmberg Andersen f. 1973, keramiker Jane Holmberg Andersen er uddannet på Designskolen Kolding fra linjen Keramik og Glas i I 2004 var hun med til at stifte gruppen Keramik Under Jorden, der brugte en bunker som udstillingsrum og inspirationskilde for deres keramiske værker. I 2003 udstillede hun på Galleri Ra i Amsterdam og i 2002 på Forårsudstillingenpå Charlottenborg i København. I 2002 modtog Jane Holmberg Andersen et 2-årigt igangsætningsstipendium fra Statens Kunstfond og i 2008 blev hun præmieret af Statens Kunstfond for skålserien Konfekt/effekt. Jane Holmberg Andersen arbejder hovedsageligt i porcelæn, ofte indfarvet. Hendes formsprog er gennemarbejdet og enkelt, ofte tilført en unik detalje, som giver produktet karakter. Holmberg henter sin inspiration i naturen. Særligt skovenes grene, bark og svampe inspirerer til former og overfladestrukturer. Et gennemgående karaktertræk ved hendes produkter er de enkle og rene former.

5 Grenvase Grenvase er en serie af tre vaser i forskellige størrelser. Vaserne er støbt med naturen som inspirationskilde. Jane Holmberg Andersen forklarer, at de er rå og dekorative og hun ser dem som et lille stykke forstenet natur, der kan vækkes til live med en enkelt blomst. Vaserne er støbt i porcelæn, med en rå overflade udvendigt og en glaseret inderside. Holmberg laver i gips afstøbninger af særlige grene, hun har fundet i naturen. keis & fiedler Jakob Keis Fiedler f og Helene Keis Fiedler f begge keramiske designere Jakob Keis Fiedler er uddannet keramisk designer fra Keramisk Linie på designskolen i Kolding i 2007 og Helene Keis Fiedler er uddannet keramisk designer fra Danmarks Designskole i Jakob og Helene Keis Fiedler har begge deltaget i udstillingen Kun hvis man tror det er i 2012 i Grimmerhus i Middelfart, Genbrugs jul på DesignerZoo i København i 2009 og udstillingen Nyt Ler på SAK i Svendborg i Derudover har Helene Keis Fiedler deltaget i Forårsudstillingenpå Charlottenborg i De har modtaget støtte fra Danish Crafts og fra Statens Kunstfond i Desuden blev de nomineret til Formland Design Award Spring keis & fiedlers samarbejde og kreative impulser forenes i en produktion af porcelænsprodukter. Deres målsætning er at skabe produkter, der refererer til kvaliteten af det håndlavede, men samtidig har et moderne tvist og nutidige farver. De henter inspiration i naturens verden og i de farver der findes dér. Det kunne for eksempel være fra blomster og lyset. Derudover er en humoristisk og legende tilgang en vigtig del af keis & fiedlers produktudviklingen. De produkter der opstår her, er karakteriseret ved deres skarpe, enkle linjer og et mangfoldighed af farver. keis & fiedler er Jakob og Helene Keis Fiedlers fælles firma. Samarbejdet mellem de to startede i 2008 ved, at de lavede et fælles projekt til en udstilling. Her opdagede de, at de arbejdede godt sammen og besluttede derfor, at lave en serie af produkter sammen. Netop de produkter og frugten af deres dengang nyetablerede samarbejde sælges nu i keis & fiedler og er med i Danish Crafts Collection CC16. Lupin Lupin er en serie af grå eller rosa, runde skåle i forskellige størrelser, hvor der er lagt vægt på at skabe et samspil mellem funktion og æstetik. Skålenes findes i fem størrelser fra en diameter på 6 cm til 20 cm. Rent formmæssigt har skålene hver deres identitet, hvilket kommer til udtryk i kraft af deres kurvede, runde strukturer, som giver en tydelig fornemmelse af håndens arbejde med porcelænet. De kan anvendes enkeltvis, men har også en elegant og grafisk set dekorativ effekt, når de sættes oven i hinanden. Monamore Lise Damsager Hansen f. 1973, produktdesigner Lise Damsager Hansen er uddannet fra Danmarks Designskole i 2002 på Linjen for Keramik og Glas. Desuden blev hun i 1995 uddannet fra Københavns kunstskole på skulpturlinjen. Lise Damsager har modtaget legater fra blandt andet Statens Kunstfond i 2003 og Nationalbankens Jubilæumsfond i Desuden vandt hun i 2007 Kunsthåndværkerprisens sølvmedalje for produkter i beton og har blandt andet udstillet værker på Musée Magnelli, Musée de la Céramique i Frankring og The Icheon World Ceramic Center i Korea. I 2001 deltog hun i The 1st World Ceramic Biennale i Korea, i 2007 i Biennalen for Kunsthåndværk & Design på Trapholdt i Kolding i Danmark og senest i 2012 ved Biennale de Ceramique Centemporain i Frankrig. Lise Damsager arbejder hovedsageligt i keramik, beton og træ. Værkerne formes gennem arbejdet med leret, hvor hendes tanker løber deres egne veje og nye ideer hele tiden opstår. Desuden inspireres Lise Damsager af arkitektur og former i gadebilledet. Hendes arbejde er ofte skulpturelt og rustikt men samtidig

6 minimalistisk og æstetisk i udtrykket. Damsager ser selv sine produkter som en diskret baggrund, scene eller podie for de blomster, mad eller frugt, der arrangeres på værkerne. Vende Fad, Ler Bakke Fælles for Lise Damsagers to produkter er de rene og enkle linjer og former. Dog har de alle et individuelt udtryk, fordi de er håndlavede. Hendes designproces tager afsæt i skitsering på papir, hvorefter gipsklodser støbes og skæres til modeller af produktideerne. Det runde Vende Fad er efter modelleringen forglødet og vandslebet så kanter og linjer står skarpt. Den rektangulære Ler Bakke er fremstillet ved at kvætse stentøjsler ud i en gipsform. Bakkerne tørrer langsomt, og derefter bliver både fad og bakke slebet, glaseret på den ene side og højtbrændt. Afslutningsvis bliver værkerne igen slebet, så fladerne er bløde og glatte. Der opstår en dobbelthed i produkterne gennem de to forskellige behandlinger, og Damsager forklarer, at produkterne ikke har en for- eller bagside, men to ligeværdige sider. Visionen bag produkterne er at udfordre de gængse forståelser af brugen, samt stille nye krav til brugernes forhold til borddækning og madanretning. Vende Fad og Ler Bakke er glaseret stentøj, der ved et gennemtænkt, enkelt og unikt udtryk tjener flere funktioner. Marion Fortat f. 1984, glasdesigner Marion Fortat er uddannet fra Danmarks Designskoles Linje for Keramik- og Glasdesign i 2009 og forudgående fra ESAA Duperré, Paris på Linjen for Beklædningsdesign i Marion Fortat har udstillet med soloudstillingen Ovenover, i Designer Zoo, København i 2012 og blev udvalgt til at deltage på udstillingen Talents i sektionen for unge designere på Ambiente Design Messe, Frankfurt am Main i Tyskland i Desuden deltog Marion Fortat på udstillingen KnowHow i Tallinn, Estland i 2009, hvor hun blev udvalgt til udstilling, konkurrence og symposium i forbindelse med Tallinn Applied Art Triennalen. Marion Fortats arbejde med glasdesign tager udgangspunkt i grænsen mellem det funktionelle og det æstetiske objekt - i den indistinkte zone, hvor det funktionelle objekt antager ren abstrakt form, og det rent æstetiske objekt udvikler en funktion. Fortat finder inspiration, når hun arbejder i direkte kontakt med materialet. Fortat udtrykker det således: Jeg er stærkt fascineret af den fysiske transformation af glasmaterialet, der i sin passage fra amorft stof til fast form udgør aftrykket af glaspusterens arbejde. Hendes arbejder indebærer dog ikke alene en transformation af materialet, men også af opfattelsen og brugen af glasobjekter. Marion Fortat producerer glasobjekter, der ved at udfordre forholdet mellem æstetik og funktion afsøger nye organiske og geometriske former. Owow Owow er en vase til en enkelt blomst, og findes i en lille og en stor model. Vasen blander funktion æstetik, idet blomsten integreres i dens abstrakte form som en forlængelse af glasset. Owow er et onomatopoietikon som betyder lyd udtrykt gennem form. Gennem formningen af glassets fluiditet og elasticitet i det varme glasværksted, præsenterer den stabile krop en unik figur, fra hvilken et hoved dukker frem som en boble. Hovedets hældning og størrelse lader hver figur træde frem som abstrakte væsener med egen personlighed og eget humør. Owow er mundblæst glas, som blæses frit, hvorfor dens form og udtryk er særegent for hvert eksemplar. Owow blæses i klart glas, der dernæst modtager et lag farvet glas og endelig endnu et lag klart glas. Objektets krop bearbejdes, forlænges og snævres ind til en hals. Hovedet blæses herefter fra den anden ende og genopvarmes endelig for at opnå sin egen hældning. Objektet bliver således til et eksplicit vidnesbyrd om det givne øjebliks tilblivelsesproces fra varmt glas til vase. Hvert objekt er en unik figur med sit eget temperament.

7 Meyer-Lavigne Kristine Meyer f. 1970, designer og Sabine Lavigne f. 1974, designer Kristine Meyer og Sabine Lavigne er begge uddannet fra Danmarks Designskole, på Linjen for Keramik og Glas i De to mødte hinanden på Holbæk Kunsthøjskole i 1998, hvor de forberedte sig på at søge ind på designskolen. I 2005 tog de sammen afgang fra designskolen med et projektsamarbejde med Royal Copenhagen. Firmaet Meyer-Lavigne har eksisteret siden 2007 og designer produkter til boligen. Udover deres egen porcelænsproduktion, løser de designopgaver for andre designvirksomheder og løser stylingopgaver for design- og interiørmagasiner. Meyer-Lavigne har blandt andet udstillet deres Need- more Think twice sparebøsser hos Galeries Lafayette under Paris Design Week i 2011 og deltaget i London Design Week i I 2009 fik de tildelt legater fra Danmarks Nationalbanks jubilæumsfond og Grosserer L.F. Foghts Fond og i 2002 vandt Sabine Lavigne RSA Student Design Awards i London. Desuden har Meyer-Lavigne deltaget i Danish Crafts Collection CC14 og CC15. Selv om de to designere er uddannet ved linjen for keramik og glas, designer de gerne produkter i andre materialer og arbejder blandt andet også med strikning og vævning. Kendetegnende for Meyer-Lavignes produkter er et dekorativt, unikt og personligt udtryk. Vi tror på, at man i et overflodssamfund som vores, har brug for at omgive sig med ting, der er lagt både tid, hånd og ånd i, forklarer de. Deres inspiration finder de gennem det skæve, det kantede, det uforudsigelige, i den grafiske verden og gennem personlige historier og nærvær. Flower me happy pots Mr. Clown, Esmaralda, Henrietta, Alfonso, Lotta og Frede er navnene på Meyer-Lavignes tre vaser og tre urtepotter. De har alle forskellige personligheder og kan skifte udtryk og frisure alt efter hvilken vækst man putter i toppen. Meyer-Lavigne har udarbejdet de unikke vaser og urtepotter i støbt porcelæn og derefter dekoreret dem med håndtegnede motiver. Den lille familie er skabt som en hyldest til naturen og værdsættelse af livet. Deres tilstedeværelse skal minde om at være til stede i nuet og glæde sig over hverdagen. Det gennemgående ved produkterne og Meyer-Lavignes øvrige design er historien, som bliver fortalt gennem værkerne samt kærligheden for det unikke og personlige. Nina Bruun f. 1983, produkt- og møbeldesigner Nina Bruun er uddannet fra Kunstakademiets Designskole, Linien for Møbel- og Rumdesign i Bruun har opnået at få sin stol Nest optaget på den permanente samling på Museum of Arts and Design i New York. Samme stol er med på udstillingen Against the Grain på Mint Museum i North Carolina samt på Museum of Arts and Design i New York som begge løber fra Nina Bruun har desuden modtaget legat fra Sydform i 2010 og Bo Bedres Lovende talent legat i Hvis det ikke er hårdt bliver det ikke godt ifølge Nina Bruun kræver det hårdt arbejde at forvandle en idé og en kreativ impuls til et møbel. Hun starter altid med at skitsere eller genskabe en stemning, før hun former et reelt produkt. Herefter bygger hun modeller af alle tænkelige materialer, afhængigt af hvilket produkt, hun er i gang med at udvikle. Det kunne være at bygge en sofa i pap eller en lampe i plast. Som regel er modelleringen i størrelsesforholdet 1:1 for at få en forståelse af designets proportioner og udtryk. Til sidst laver hun en fysisk model i det tiltænkte materiale som testes igennem, før hun påbegynder den endelige udformning. Nina Bruuns produkter er kendetegnet ved en stram æstetik, ofte med et japansk islæt og bærer præg af Bruuns baggrund inden for grafisk design. Både i forhold til det færdige resultat og produktionsprocessen er råmaterialernes kvalitet, funktionalitet og evne til at skabe identitet i højsædet.

8 Halo Halo en serie bestående af en lille og en stor væghængt lampe monteret med forafbryder og LED-pære. Den lille lampe er udført i kobber, rustfrit stål og en sort tekstilledning. Den store lampe er udført i autolak, rustfrit stål samt en stærkt orangefarvet tekstilledning. En halo er den ring, der opstår rundt om solen ved total solformørkelse. Nina Bruuns inspirationskilde til lampeserien Halo er netop solformørkelsen. Rent praktisk har Bruun med Halo forsøgt at løse det problem, at LED-lyset som regel ikke har et behageligt skær eller tone. Løsningen og samtidig udfordringen har derfor været at lade lampens materiale diktere lysets farvetone ved hjælp af genskæret. Fordi lyskilden er LED kan lampen hænge tæt op mod væggen med en dybde på kun 3,1 cm. Ligesom en solformørkelse skaber Halo en særlig stemning og identitet i rummet. Lampen er med andre ord dragende på samme måde, som en solformørkelse er det; både ved fænomenet i sig selv og ved den effekt lyset fra den tildækkede lyskilde har på sine omgivelser. Pernille Snedker Hansen f. 1978, tekstilkunstner og designer Pernille Snedker Hansen er uddannet fra Designskolen Kolding i 2004 og har taget en mastergrad fra Central Saint Martins College of Art and Design på linjen Creative Practice for Narrative Environments i Pernille Snedker Hansen har blandt andet deltaget i Biennalen for Kunsthåndværk og Design 2011 i Kolding, hvor hun også var nomineret til Biennaleprisen. I 2009 udstillede Pernille Snedker Hansen i København på Galleri 2012 sammen med Will Gurley i en udstilling kaldet The Playce Between. I 2006 meddesignede hun på Hayward Gallery i London et udendørs stifindings system kaldet Stairs to Dan Flavin. Herudover har hun modtaget Statens Kunstfonds arbejdslegat i 2010, Danmarks Nationalbanks Jubilæumsfond af 1968 tre år i træk samt Grosserer L. F. Foghts Fond i I 2011 fik hun tildelt et legat fra 15. Juni Fonden og i 2012 vandt hun en Wallpaper Design Award for sine Marbelous Wood gulvplanker, der var med i Danish Crafts Collection CC15. Pernille Snedker Hansen ønsker, at fladerne hun skaber til et rum, kan vække nysgerrighed og indirekte ændre den måde, hvorpå vi sanser, oplever og lever i vores omgivelser. Hun vil gerne udfordre de rum, vi lever i og de overflader, som omgiver os. Hun bruger naturen som en aktiv medspiller og lader en del af det færdige udtryk være bestemt af et naturligt element. Hun tror på, at tekstilfagets transformerbare, taktile og poetiske kvaliteter kan bruges til at kommunikere og være med til at ændre sociale og bæredygtige værdier i det byggede miljø. Marbelous Wood Wall Cabin Cover Cabin Cover fra the Marbelous Wood-serien sammenvæver en drøm om en hytte i skoven og en gammel bog med marmoreret indbinding. De hånddekorerede træpaneler fortæller også en historie om marmoreringsprocessen og gør dette traditionelle håndværk tredimensionelt, så det kan dække et rum. Marbelous Wood er ikke en repræsentation af træ; det er drømmen om træ, overnaturligt træ. Mønstrene skabes med den traditionelle designteknik marmorering, som traditionelt anvendes i bogbinderfaget. Her har det fået en ny funktion og er omdannet til en tredimensionel overflade til indretningsformål. Designeren fremstiller selv træpanelerne et ad gangen og i hånden. Peter Johansen f. 1974, designer Peter Johansens er uddannet fra Danmarks Designskole i Han har tidligere været en del af Danish Crafts Crafts Collection CC9, CC11, CC12 og CC15 og deltaget i MINDCRAFT12 i Milano Han har modtaget støtte fra Statens Kunstfond i 2006, 2008, 2009 og Han har blandt andet udstillet på Dansk Designcenter i 2006, Stockholm Furniture Fair i 2008, Salone del Mobile i Milano, Italien i 2010 og 2012 og London Design Festival i Han har designet for Hay og Normann Copenhagen. Desuden har Peter

9 Johansen sammen med gruppen REMOVE udformet og indrettet cafeen DANSK i Dansk Designcenter samt været udstillingsarkitekt for Snedkernes Efterårsudstilling Hans arbejdsproces består ofte i modelarbejde og gerne i 1:1. Han henter sin inspiration til sit arbejde i hverdagen og sine omgivelser. Som han siger: Jeg har det bare med at lægge mærke til mine omgivelser! Han karakteriserer sit arbejde han som logisk og som en flirt med det banale. Alle gode gange tre Alle gode gange tre er en serie af indskudsborde fremstillet af dansk asketræ. Peter Johansen har ladet sig inspirere af eventyret om Guldlok og de tre bjørne. Han har taget udgangspunkt i de tre bjørne og deres indbyrdes forskellighed. Han har forsøgt at overføre denne forskellighed til de tre borde. Modsat traditionelle indskudsborde, som ofte er samme form skaleret ned i forhold til hinanden, er Peter Johansens borde meget forskellige i deres udtryk. Som en ekstra lille detalje er det muligt at hænge bordene op under hinanden. PLACE de BLEU Lena Børre Hansen, f. 1954, tekstildesigner og billedkunstner og Trine Alette Panton f. 1969, Cand. Scient i Kulturgeografi PLACE de BLEU er under Foreningen Qaravane, som blev stiftet i januar Trine A. Panton er uddannet Cand. Scient fra Københavns Universitet i 1997 og Lena B. Hansen fra Skolen for Brugskunst i Tilsammen fungerer de som henholdsvis daglig leder og designer hos PLACE de BLEU. Visionen bag den socioøkonomiske virksomhed er at designe, producere og sælge bæredygtige produkter. De designer boliginteriør, som hovedsageligt er udarbejdet i tekstil. Produkterne tager afsæt i farver, former og smukke håndværkstraditioner fra alverdens lande. Samtidig med at designe løfter PLACE de BLEU en vigtig social velfærdsopgave, idet de beskæftiger og opkvalificerer marginaliserede indvandrerkvinder. I alt beskæftiger de mellem 15 og 20 kvinder, nogen arbejder fleksibelt i værkstedet på Blågårds Plads i København, andre hjemmefra som hækle- og strikkedamer eller som praktikanter og frivillige. Kvinderne kommer fra hele verden. Mosaik Puder Mosaik Puder er en kollektion bestående af to rektangulære puder, to runde puder samt en marokkopude. De er alle syet på symaskine og fremstillet af kvalitetstekstil fra Kvadrat A/S. Den overordnede idé tager afsæt i ønsket om at transformere etnisk inspiration til skandinavisk design. For Lene B. Hansen betyder det, at hun arbejder med at sikre den oprindelige harmoni og sjæl i skabelsen af et nutidigt design. Inspirationen til Mosaik Puder stammer fra marokkanske mosaikgulve og farvetemaet bevæger sig blandt andet mellem rosa, støvet grøn, musegrå og støvet lavendel. Arbejdsprocessen hos PLACE de BLEU starter med Hansens ideer til et nyt mønster eller design. Kvinderne inddrages i valg af farver og en iterativ proces begynder først når alle er tilfredse, er produktet færdigt. Pudernes generelle designudtryk kendetegnes ved patchwork i forskellige farver og teksturer, tilsammen. Udgangspunktet for inspirationen til PLACE de BLEUs design hentes i arkitekturen, kunsten, gaden og vigtigst af alt, hos indvandrerkvinderne. R7B Copenhagen Barbara Bendix Becker f. 1965, tekstildesigner og Mette Bache f. 1962, tekstildesigner Barbara Bendix Becker og Mette Bache har siden 1997 været samarbejdspartnere og danner tilsammen R7B Copenhagen. De er begge uddannet tekstildesignere fra Danmarks Designskole i De deltog i udstillingen Moving In i 1997 og Design Biennalen på Trapholt i Danmark i Senest deltog de i udstillingen Unika på ni forskellige europæiske designmuseer gennem 2002 og De har også arbejdet som designkonsulenter på forskellige udstillinger på både National Museet og Thorvaldsens Museum.

10 Primært arbejder de to kvinder med tekstil, men også i glas og keramik. Deres arbejdsprocesser er meget funktionelt søgende, og deres inspiration udspringer efter eget udsagn fra en humanistisk kulturarv. De søger det klassiske tidløse udtryk i deres design. Materialet er ofte enkelt og tydeligt i sin form. Keramisk Urne De keramiske urner er fremstillet af stentøjsler, drejet i hånden efter arbejdstegninger og afslutningsvis behandlet med rakuglasur i to forskellige nuancer. Urnerne findes i seks forskellige former med navne hentet fra skyformationer. De måler mellem 20 og 32 cm. Ideen til urnerne opstod, da Becker og Bache, som designkonsulenter, gik rundt og ryddede op i gamle forme på Kählers gamle keramiske værksted. Her stødte de på nogle af de urner Kähler selv havde produceret. Da de begge har lagt et nært familiemedlem i graven og kunne de derfor hurtigt genkalde de følelser, der kommer i forbindelse med at vælge en urne hos en bedemand. Becker og Bache mener selv, at ritualet omkring begravelser er forældet og forfladiget. Hele liv på jorden er drevet af ønsket om at træffe de rigtige valg i alle livets forhold. Men behøver man at ende livet i en industrifremstillet standard krukke. Døden skal kunne inddrages som et af flere centrale punkter i livet. R7B ønsker med deres kollektion af Keramiske Urner at give mulighed for at finde en eller anden form for identifikation uden, at det bliver kitsch. Målsætningen for R7Bs arbejde er, at eksistensen under jorden, når livet er slut, skal kunne måle sig med livet på jorden. Barbara Bendix Becker og Mette Bache har med Keramiske Urner skabt en højtidelig og klassisk kollektion. rebelldesign Tania Hjorting f. 1973, designer rebelldesign er drevet af designer Tania Hjorting, uddannet på Designskolen Kolding, 2002, interaktive medier. Modtog i 2002 legat fra Gudrun og Erik Kauffeldts Fond for sit afgangsprojekt. Tania Hjortings udgangspunkt er legende elementer med brugervenlighed. F.eks. at små tæer ikke klemmes under en gyngehest, samt en bevidst omtanke for naturen og omgivelserne og at intet i produktionen skal gå til spilde.hjortings produkter er ofte kendetegnet ved et meget simpelt udtryk. Derudover en stor inspiration fra naturen, børn og ikke mindst af legen. Django Django er en korkgyngehest til fysisk leg og udvikling af balance hos børn. Kork granulatet er et overskudsprodukt fra korkprop-industrien, hvor intet går til spilde. Eksempelvis granuleres det overskydende kork fra vinpropper og presses til plader med et mildt bindemiddel som er godkendt til fødevareindustrien, - og altså også til legetøj. Gyngehestens hale og nakke støtter godt op omkring det mindre barn, der sidder på hesten og når barnet bliver ældre, kan Django anvendes til at barnet står på hestens kanter for dermed at udvikle balanceevnen stående. Django produceres først i en form i træ og skæres derefter ud i partvise korkgranulat plader, der til sidst limes sammen. Afslutningsvis slibes kanterne med maskine og overfladerne pudses med sandpapir i hånden.

11 Rikke Hagen f. 1970, produktdesigner Rikke Hagen er uddannet fra Danmarks Designskole på linjen for glas og keramik i 1998 og har siden vundet flere priser for sit design, blandt andet Ole Haslunds Hæderslegat i 2007, Award Nordic Relations i 2010 og senest Formland Design Award i Når Rikke Hagen designer handler det for hende om at være nysgerrig, undersøgende og innovativ. Samtidig arbejder Hagen indenfor et sæt af spilleregler - det kan for eksempel være begrænsninger, der ligger i en given opgave. At arbejde med begrænsninger handler for Rikke Hagen i høj grad om at søge nye grænser, opfinde nye metoder og nye løsninger. I sin arbejdsproces beskæftiger hun sig også med idégenerering samtidig med hun inspireres af viden fra fortidens bibliotek af viden om teknikker, håndværk og formsprog. Rikke Hagen er dybt fascineret af materialer og anser balancen mellem det unikke og masseproduktion som det motiverende samt at kunne indsamle og omformulere ny viden og gentænke den i nye kontekster. Rikke Hagen deltog med stor succes i nogle de tidligste udgaver af Danish Crafts Collection og har været med flere gange i både CC6, CC7, CC9 og senest CC15. Big Orla Big Orla er en pendel lampe udformet med en lampeskærm støbt i porcelæn med blank emalje og et ophæng af farvet nylon. Big Orla er en videreudvikling af væglampen Orla, som Rikke Hagen havde med i sidste års kollektion, Danish Crafts Collection CC15. Inspirationen til Hagens lampeserie tager udgangspunkt i en gammel lampe, som hang i hendes farfars snedkerværksted. Den bestod blot af et par groft udskårne pinde og en afskærmet pære hængende for enden af en ledning. Da hendes farfar gik bort, arvede hun hans høvlebænk, værktøjsskab og lampen. Rikke Hagen brugte den oprindelige lampe som arbejdslampe i næsten 10 år. Med Big Orla har Hagen efter eget udsagn forsøgt at fastholde det enkle, funktionelle arbejds-look i både dens udformning og brug. Lampen er opkaldt efter hendes farfar, som hed Orla. Sen-Sen Trine Runge Jessen f.1973, og Helene Jensen f.1966, tekstildesignere Helene Jensen og Trine Runge Jessen som tilsammen danner designduoen Sen-Sen er begge uddannet fra Designskolen Kolding på tekstillinjen i henholdsvis 1997 og De etablerede Sen-Sen i 2000, fordi de mente, at markedet for boligtekstiler manglede et friskt pust. Det er vigtigt for de to kvinder, at deres produkter har kant, og at de skiller sig ud fra mængden. De arbejder med at dreje og nytænke genkendelige elementer og mønstre og derigennem skabe nye udtryk. Jensen og Jessen finder deres inspiration i det almindelig liv omkring dem, og lægger stor vægt på at have det sjovt under arbejdsprocessen. De arbejder hovedsageligt i uld og fremstiller alle tekstiler på strikkemaskiner i Danmark. New Nordic Knit Kollektionen New Nordic Knit består af plaiden Grå Sweater og tre puder; Grå Sweater, Gul Sweater og Sort Stjerne. Alle produkter er strikket i Danmark af 100% merino uld og tager udgangspunkt i traditionelle norske strikmønstre. De udvalgte mønstre får nyt liv, når de tilføres andre farver og størrelser, hvormed et opdateret og forfriskende udtryk opstår. De grå og gule farver komplementerer smukt hinanden, og understreges af de forstørrede motiver. Jensen og Jessen forklarer, at de med denne proces gør mønstrene til deres egne. New Nordic kollektionen er en funktionel og elegant samling af boligtekstiler med klare skandinaviske toner både i udtryk og udførelse. Tora Urup f. 1960, glasformgiver og designer Tora Urup er uddannet fra Skolen for Brugskunst i 1989 og Royal College of Art, London, i 1994.

12 Tora Urup arbejder hovedsagligt i materialerne glas og porcelæn. Hun viser en tilbagevendende interesse for klassiske brugsemner og for at udforske og præcisere detaljer som visuelt og sanseligt har stor effekt. Tora Urup finder sin inspiration ved en nysgerrig og interesseret tilgang til dagligdagen og ved fordybelsen i selve arbejdsprocessen. Kendetegnene ved Tora Urups design er et enkelt og præcist udtryk med en indbygget kompleksitet. Tora Urups arbejde er bl.a. erhvervet af Designmuseum Danmark, Statens Kunstfond og European Museum of Modern Glass i Cobourg, Tyskland og indgår i flere private samlinger. I 2009 modtog hun i forbindelse med udstillingen "Meister der Moderne" i München 'Der Bayerischer Staatspreis'. I 2010 modtog hun Inga og Evind Kold Christensens hæderspris. Tora Urup har udstillet adskillige steder internationalt og var i april 2012 repræsenteret på kunstmessen PAD i Paris samt på design /Miami/Basel i Basel i juni 2012 med det parisiske Galeri Maria Wettergren. Hun var med i Danish Crafts Collection CC7 og var med i MINDCRAFT11 i 2011 og MINDCRAFT12 i 2012 i Milano. Lyseholder-1 Lyseholderen er mundblæst i klart glas og i varierende toner af farvet glas. Hver lyseholder har sin egen unikke farvetone og udvalget af farver skifter for hver produktion. Farver og lys reflekteres optisk i glassets polerede overflader og fremhæver designets to cirkelformede kanter. Lyseholder -1 rummer den enkelhed og samtidige kompleksitet som er kendetegnende for Tora Urups design. Trine Charlotte Find f. 1974, arkitekt og designer Trine Charlotte Find er uddannet arkitekt fra Arkitektskolen i Århus i Hun arbejder hovedsageligt i træ, blandt andet fyr, ask, birk og eg. Hendes arbejdsprocesser starter ofte med skitser i hånden og efterfølgende adskillige 1:1 arbejdsmodeller. Trine Charlotte Find arbejder ud fra parolen keep it simple, som for hende er en proces, der kræver et lige så stort stykke arbejde, også tidsmæssigt, som når noget både er og virker kompliceret. Hun finder sin inspiration gennem naturen, på rejser og i sine børn. Centralt for Finds design er omformningen af objekter, hun oplever i hverdagen og i naturen. Trine har deltaget i Danish Crafts Collection CC14 og CC15. Filigrantræ Mini Filigrantræ Mini er håndlavet i træ og produceret på Trine Charlotte Finds eget værksted i Danmark. Filigrantræ Mini kan anvendes som juletræ på steder, hvor pladsen er trang; i entréen eller på børneværelset, som pakkekalendergavetræ eller som udsmykning i butikker eller på hospitaler og hvor tandlæger, hvor der skal være klinisk rent. For Trine Charlotte Find og hendes familie udstråler Filigrantræ Mini glæde og forventning. Træet er bæredygtigt og samtidig æstetisk. Filigrantræ Mini kan fås i ubehandlet birk, hvid eller lime. Det kan skilles ad og genbruges år efter år. Træet udskæres i diverse længder og fungerer som grantræets grene, dernæst bores der huller i stammen. Samtlige træer samles for at kontrollere, at kvaliteten er i orden inden de pakkes i æsker. Victoria Ladefoged f. 1976, designer Victoria Ladefoged har en Ba i fashion fra Designskolen Kolding fra 1999 samt en MA i Womens Fashion fra Royal College of Art i London fra Yderligere har hun taget en uddannelse som herreskrædder. Victoria Ladefoged har udstillet på både Designmuseum Danmark i 2009, Politikens galleri i 2010 og senest i Øksnehallen i Desuden har hun tidligere deltaget i både CC14 og CC15. I dag er Victoria Ladefoged en del af butikken Sort Slips Hvidt Slips, som ligger i hjertet af København. Inden for de senere år er Victoria begyndt at arbejde med genbrugstræ og stof i sit firma re:something. Her anvender hun blandt andet genbrugsmateriale fra De Forende Dampvaskerier. Eksempelvis har hun brugt gamle tjenerforklæder, viskestykker og hospitalslagner. Når produkterne består af genbrugstræ kommer materialet ofte fra frugt- og grønsagskasser eller rød/hvide vejafspærringslægter.

13 Ladefoged forklarer, at hun i sin arbejdsproces søger det enkle og lidt rustikke udtryk, men samtidig har et konstant fokus og kærlighed for detaljer. Alle Victorias produkter er lavet af genbrugsmaterialer og håndlavet i Danmark. Hendes design har rødder i den danske kunsthåndværkstradition suppleret med et legende element. Formålet er at skabe produkter af høj kvalitet på en bæredygtig måde. Victorias kendetegn er stærkt dansk design fremstillet i Danmark med hånd og kyndighed. Designet er enkelt og rent med underforståede indslag af humor og leg. Bæredygtighed er en alvorlig sag, men behøver ikke altid at formidles sådan. Hvis vi gør bæredygtigt design til et spørgsmål om skyldfølelse og pligt, vil begrebet dø ud. OUR HOME COLLECTION Brødposen og Tehætten er begge en del af OUR HOME COLLECTION. De to unikke produkter er fremstillet af genbrugte klassiske hvid- og blåternede viskestykker. Victoria Ladefoged er fascineret af materialets geometriske former og linjer, og da hun fik en fast aftale med De Forende Dampvaskerier gav det hende ideen, anledningen og muligheden for at bruge materialet mere omfattende. Hun finder sin inspiration gennem stemninger, eksempelvis i traditionelle skrædderteknikker, historiske dragter, på udstillinger og museer eller ved at læse bøger. Med køkkenserien udvider Ladefoged brugen af viskestykket, og placerer det som en central del af det at dække et bord. Brødposen og tehætten er enkle og funktionelle designs, hvor materialet taler for sig selv.